Abiertas ya las puertas del Gran Teatro Nacional nos ubicamos en las butacas los niños, jóvenes y adultos con gran expectativa para ver la función. “Mi primer concierto” es un buen método para atraer a un público de todas las edades, ir en familia y para acercarse más al teatro.

Viví la obra como un niño más y me di cuenta de que mucha gente adulta también experimentó lo mismo. Nos hizo sentir como si nosotros estuviéramos en Nápoles disfrutando de la presencia de ese ser risueño en torno al cual gira toda la obra. De eso se trata, de sentirse como el personaje principal, actuar e interactuar. Esto es lo que propone el Gran Teatro Nacional.

¿Qué decir de la música? El maestro Pablo Sabat en la dirección de la orquesta y con el apoyo de su concertino Faridde (violín) creaba dulces armonías que se unían a través las cuerdas, los vientos y la percusión. Un repertorio musical muy bien escogido en el que incluían composiciones tanto de Vivaldi como de Mozart. Música, narración y actuación generaban un viaje imaginario a la famosa y colorida ciudad de Italia, Nápoles.

Esta obra nos permite vivir, a través de la música, la vida de cada personaje en escena; o sea, el vínculo de cada instrumento generaba excelentes armonías que nos permitían saber si el protagonista estaba alegre, triste, asustado o tramando algo. Pulcinella, figura principal de la obra de Stravinski, presenta una dualidad de personalidades, podía ser cómico y a la vez trágico, cobarde y valiente, etc. Ana Hernández protagonista de la escena musical, expresaba todo sus movimientos al compás de la música y se sentía como si cada uno de nosotros que estábamos en el teatro, también fuésemos parte de ese pueblo encantado de Pulcinella.

Podía percibir que el público estaba atento, que en parte se conmovía con lo que podía imaginar y ver; pude notar que los espectadores reaccionaron muy felices con lo que se presentaba en el teatro.  El ambiente era espectacular producto de la alegría del público al disfrutar de esta puesta en escena. El movimiento de las manos que usaban los músicos de los instrumentos de viento fue respondida al final de la obra en el unir de las manos con aplausos armoniosos por el espectáculo presentado. Nuestro corazón palpitaba tanto de felicidad como el compás de la percusión. Y las cuerdas, los violines y el bajo en especial, gracias a la hermosa melodía creada engendró una gran sonrisa en la mayoría de personas que asistieron al teatro. Disfrutar de funciones teatrales de tal calidad es un tiempo de libertad en el que experimentamos una montaña rusa de emociones. Los espectadores no necesariamente habrán sentido lo mismo, pues cada quién saldrá con una experiencia propia dependiendo del enfoque en que se concentraron más al apreciar la función.

Por Eliezer Benedetti

Lima, 23 de marzo de 2018

Una propuesta sobre la identificación del público con los personajes de una obra de teatro.

Producción: Andrei Sebas Hidalgo

La música fue hecha, exclusivamente para bailar y cantar, decían mis padres; pero tenía el presentimiento de que existía algo más, algo nuevo que aún no descubría. ¡Y cómo  no hacerlo, si hasta el momento me había negado a salir de la rutina! Desde lo más pedido como la salsa, cumbia, bachata, k-pop, hip hop y rock hasta la música vernacular conformaba el repertorio musical de mi móvil. Pero ¡había más!, yo sabía que existía algo más!

“Mira, allí están los músicos”, dijo mi compañera. Las luces se encendieron sobre los noventa artistas que protagonizaban el momento. Cada miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional acomodaba sus instrumentos bajo la atenta mirada de su director… y de la varita mágica de ese instante: la Batuta!

Comenzó a sonar la Sinfonía n°2 mientras yo recordaba que las palabras no son el único medio por el cual una persona expresa diferentes sentimientos y emociones. El lenguaje corporal del director de orquesta, el  mexicano Juan Carlos Lomonaco, revelaba la armonía de ese equipo: las piezas fundamentales de la música que nos llevaban a todos los asistentes al teatro a otro universo, al universo de la sonoridad.

Sinfonía N°2 es una composición rusa creada hace más de un siglo por el compositor Sergei Rachmaninoff. Tiene cuatro momentos que revelan el matiz romántico de la pieza musical y cada uno de ellos genera emociones distintas. ¿Por qué? Comenzaré aclarando que el término “romántico” no se refiere a que el ritmo musical deba ser lento o melancólico y por tanto aburrido,  como muchos creen…sino más bien a la mezcla o fusión de variadas sensaciones como el temor, que provoca el congelamiento de la piel; la alegría, que hace desbordar al amor; y la tristeza, como origen de la nostalgia, o viceversa.

Las melodías entrelazadas del violín, las violas, los violonchelos, los contrabajos, las flautas, los oboes, los clarinetes y la percusión formaban una armoniosa composición romántica de la cual resulta imposible escapar. Atrapa la imaginación y como sabemos no hay nada más maravilloso que el poder de la  imaginación. Lugares y experiencias que físicamente no conocemos son posibles de ser vividas a través de un viaje imaginario y a ese viaje nos invita la música.

Concierto para dos pianos

Cuando cerrábamos el círculo de Sinfonía N°2, comenzó el Concierto para dos pianos. Carmen Escobedo y Diego Puertas al piano demostraron la pasión y la entrega que sienten al entregarse al sublime sonido del piano. “Concierto para dos pianos” de Francis Poulenc es una composición clásica que es capaz de situarnos en diferentes escenarios con solo escucharla; sus tres movimientos no remiten a las partituras liricas de Stravinsky;  al ritmo agudo de Satie; y a los pasajes lentos de Mozart.                                 

Cuando el público comenzaba a retirarse del teatro observé la presencia de niños, jóvenes, adultos, personas de avanzada edad y recordé las palabras de Lomónaco: “La música es el lenguaje  universal con el que podemos comunicarnos con mucha facilidad”.

Finalmente supe que ese algo SÍ EXISTÍA!

Por Yessenia Coronel

Lima, 13 de marzo de 2018

Escribo aunque hay un dolor adentro, ese que emerge cuando hay inseguridades y miedos, y que parecen apoderarse del ser. Aun no asimilo la noche del día sábado, busco respuestas entre maromas y cuerdas.

“Guerra” es la obra que expone los conflictos humanos metafóricamente a través de la línea y el color y está basada en el guión de Yves Klein, artista nedadaísta quien ejerce influencia en Samuel Mathieu, dueño de la compañía que lleva a cargo la obra.

Al cerrarse el telón, me he quedado con varias preguntas que aun trato de responder, y espero que en el transcurso de estas líneas se resuelvan.

Es el inicio de «Guerra», una bailarina entra en escena y examina la cuerda, parece estar confundida y decide jugar con ella, al instante se disipa un sonido indeterminado que no cesará hasta la combinación de la danza hipnotizante.

Los danzantes abarcan en el escenario con pasos lentos, son repetidas las acciones, pero en diferentes espacios, el aire y la tierra.  Todo vuelve a ser igual no importa el espacio: el hombre cumple su ciclo y no hay forma de escapar de él, entonces ¿en qué momento descansa el hombre ante estos conflictos? Hay un descanso en los danzantes, ¿pero en realidad? son las circunstancias que vives día a día, es cuestión de observar y reflexionar en los pequeños detalles, incluso cuando piensas estar en la nada.

En el desarrollo de Guerra se desata una lucha que no discrimina género: la guerra es cuerpo a cuerpo.

Se expone la historia del hombre con la lucha del espacio y la necesidad del gregarismo. El hombre es un ser territorial y Samuel Mathieu tiene entendido esto, ya que en todo momento los danzantes quieren cubrir los espacios aunque estén cansados y repiten los pasos, incluso en el aire. Este último elemento libera al danzante, ya que se mantiene suspendido en la cuerda para evitar estar con los pies en la tierra, donde se ve un mayor sufrimiento. Así como el danzante en la cuerda, el hombre se sostiene de sueños, pensamientos, para que su vida adquiera equilibrio. El danzante al estar en el aire se aleja de la realidad.      

La escena más hermosa de “Guerra” a mi parecer es cuando el danzante se columpia y traspasa el escenario, el público interviene al ser parte de esta ilusión. Pretender alcanzar un ideal adverso ante nuestras limitaciones nos genera frustración al igual que el danzante, a diferencia de la obra nosotros podemos ver al danzante dar sus fallidos pasos, pero nosotros no, solo tenemos una oportunidad para hacer bien las cosas. Al no poder soportar más el danzante cae al suelo, a la tierra, a la realidad y se genera los conflictos de razón e ilusión.

Guerra llega a nosotros transmitiendo una carga dramática y a la vez armoniosa de mostrar nuestro interior. Las imperfecciones de esta reflexiva obra como la de un danzante que intenta incorporarse al grupo o los errores con el uso de las cuerdas hacen que sea más humana y veamos la realidad de nuestra compleja existencia. Ver Guerra es exteriorizar nuestros conflictos internos a través de una danza de acrobacias y movimientos hipnóticos. Es exponer el contexto mundial, pues vivimos en el devenir de una guerra que puede darse y estamos en una cuerda queriendo alcanzar el equilibrio, y sobretodo porque tal vez nuestra existencia no es suficiente para determinar la paz.

Lima, marzo de 2018

Por Maricielo Perez